Michael Dissmeier: Das erste Kon­zert unter dem Schwer­punkt „Pla­net Dvo­řák“ prä­sen­tiert inte­res­san­ter­weise drei kür­zere Werke des Kom­po­nis­ten. In Bezug dazu ste­hen Mozarts Kla­ri­net­ten­kon­zert, mit dem sich gleich­zeitig Daniel Otten­sa­mer als Artist in Resi­dence die­ser Sai­son vor­stellt, und ein moder­nes Werk von Wolf­gang Rihm.

Simon Gaudenz: Im Auf­takt­kon­zert möchte ich die enorme Weite des Kos­mos ab­bil­den, in dem der Pla­net Dvo­řák unter­wegs ist. Die von uns pro­gram­mier­ten gro­ßen Werke, die Achte Sin­fo­nie und das Cello­kon­zert, fol­gen dann spä­ter in der Sai­son. Gerade in Dvo­řáks so detail­rei­chen Minia­tu­ren gibt es Groß­arti­ges zu ent­de­cken.

Michael Dissmeier: Was pro­gram­ma­tisch auf­fällt, ist die direkte Kom­bi­na­tion von Dvo­řáks „Not­tur­no“ mit Rihms „Nature Morte – Still Alive“.

Simon Gaudenz: Das „Not­tur­no“ klingt wie ein nächt­li­ches Wie­gen­lied, wie der ruhige Tanz einer Mut­ter mit ihrem Kind auf dem Arm. Es hat eine berüh­rende Schlicht­heit. Natur und Mensch sind in die­ser fried­li­chen Nacht mit­ein­an­der im Rei­nen. In dies­es intime Idyll plat­zen Schroff­heit und Bru­ta­li­tät von Rihms „Nature Morte“, – der Titel des Werks be­deu­tet sowohl „Still­le­ben“ als auch „tote Natur“. Ich möchte davon erzäh­len, dass wir gerade dabei sind, als Mensch­heit unsere eige­nen Lebens­grund­la­gen zu zer­stö­ren.

Michael Dissmeier: Also ein wun­der­bar nächt­li­ches Natur­bild, und dann macht Wolf­gang Rihm das Licht an, und man sieht den Bor­ken­käfer­wald?
 

»Sinfoniekonzerte sollen aufrütteln dürfen!«

SIMON GAUDENZ

 
Simon Gaudenz: Die Musik klingt tat­säch­lich so. Ich mache mir viele Gedan­ken darü­ber, wie der­ar­tige Aus­sa­gen auf gute Weise in einem Kon­zert­pro­gramm unter­ge­bracht wer­den kön­nen. Auch Sin­fo­nie­kon­zerte sol­len auf­rüt­teln dür­fen, finde ich! Gerade die The­men Natur, Um­welt­ver­schmut­zung und Kli­ma­wan­del würde ich im Grunde noch viel häu­fi­ger bear­bei­ten wol­len. Doch es ist gar nicht so ein­fach, das auf eine Art zu tun, die nicht sek­tie­re­risch oder bes­ser­wis­se­risch rüber­kommt.

Die Mensch­heit kann Kriege und Wirt­schafts­kri­sen irgend­wie aus­hal­ten, den Kli­ma­wan­del jedoch nicht. Aber natür­lich reicht es nicht, kluge Gedan­ken darü­ber ins Pro­gramm­heft zu schrei­ben, sie müs­sen un­mit­tel­bar erleb­bar wer­den. Musik macht es mög­lich, nicht nur den Ver­stand der Men­schen anzu­spre­chen, son­dern ihre Gefühle zu bewe­gen. Auf die Emo­tio­nen ein­zu­wir­ken, birgt mei­ner Ansicht nach auf lange Sicht mehr Chan­cen auf Ver­än­de­rung unse­rer Ver­hal­tens­wei­sen. Wenn wir etwas nicht nur intel­lek­tu­ell ver­ste­hen, son­dern Gefühle damit ver­bin­den, bekommt es eine andere Dring­lich­keit.

Schön finde ich, dass am Ende von Rihms Stück eine unge­heuer zarte Sehn­sucht steht, wie ein lei­ser Ruf danach, dass alles gut aus­ge­hen möge. Des­we­gen heißt es im Titel des Werks wohl auch „Still Alive“, also: „hof­fent­lich blei­ben wir am Leben“!

Michael Dissmeier: Auch das erste Werk des Auf­takt­kon­zerts, die Sin­fo­ni­sche Dich­tung „Der Wass­er­mann“, ist alles andere als fried­lich und ver­söhn­lich. Das Kli­schee von Dvořák als nai­vem Natur­bur­schen ist weit ver­brei­tet. Dazu pas­sen die ab­grün­dige Erzäh­lung und die bedroh­liche Atmo­sphäre die­ses Stü­ckes aber gar nicht.

Simon Gaudenz: Natur ist ja nicht auto­ma­tisch fried­lich und ver­söhn­lich. Sie kann genau­so unheim­lich, wild und gefähr­lich sein. Dvořák erzählt Natur hier als Bedro­hung. Die Leiche eines ertrun­ke­nen klei­nen Mäd­chens wird nachts vom stür­mi­schen See wie­der an Land gespuckt. Die hoch­ro­man­ti­sche Fabel berich­tet uns den Grund: Die Mutter hat sich mit einem Was­ser­mann ein­ge­las­sen. – Es geht um tiefe Urängste. Mich beein­dru­cken Dvořáks Fähig­kei­ten, solche kras­sen Bil­der und Situa­tio­nen unge­heuer plas­tisch mit zur dama­li­gen Zeit sen­sa­tio­nel­len musi­ka­li­schen Mit­teln zu erzäh­len. Wie klingt die Angst der Mut­ter? Wie klingt es unter Was­ser? Was Dvořák dazu ein­fällt, finde ich atem­be­rau­bend!

Mir selbst als Schwei­zer kön­nen in den Ber­gen auch die steils­ten Wände, die meh­rere hun­dert Meter senk­recht hin­unter­ge­hen, keine Angst ein­ja­gen. Aber als ich ein­mal im Meer schnor­cheln war und am Rand eines Riffs in den plötz­lich unter mir klaf­fen­den schwar­zen Abgrund schaute, über­kam mich ein rich­ti­ges Ent­set­zen, das Gefühl einer wirk­lich ur­sprüng­li­chen, tief­sit­zen­den Todes­angst.

Beim Thema „Natur“, das auf unse­rem Pla­ne­ten Dvořák natür­lich enorm wich­tig ist, geht es eben nicht nur um son­nen­durch­flu­tete Wald­lich­tun­gen und lieb­li­che Vogel­rufe, son­dern auch um die Aus­ein­an­der­set­zung mit Ängs­ten und mit dem Tod. Beim heu­ti­gen Ver­hal­ten des Men­schen in den Ber­gen und in der Natur erlebt man ja im Grunde oft eine Ent­fer­nung von der Natür­lich­keit, indem Angst, also etwas zu­tiefst Natür­li­ches, oft aus­ge­blen­det wird. Handy-Navi­ga­tion und Berg­ret­tung sol­len es dann rich­ten.

Ende des 19. Jahr­hun­derts konnte Dvořák mit musi­ka­li­schen Erzäh­lun­gen wie dem „Was­servmann“ noch wahr­haft in den Bann schla­gen und ver­zau­bern, – viel schwe­rer ist das in der heu­ti­gen Zeit, in der man die Ana­lyse immer gleich mit­ge­lie­fert bekommt. Wenn man bei­spiels­weise die KI über ein Musik­stück befragt, heißt es am Ende immer gleich: „Willst du noch …“ etwas über die Struk­tur erfah­ren? Darüber, wie es geschrie­ben wurde und warum?“ Das ist für mich ein greif­ba­res Zei­chen fort­schrei­ten­der Ent­zau­be­rung.

Michael Dissmeier: Vom Pla­ne­ten Dvořák aus sieht man also auch die dunkle Seite des Mon­des, wobei das Auf­takt­pro­gramm glück­li­cher­weise viel Sonne ent­hält.

Simon Gaudenz: Mir geht es ja um den gan­zen Kos­mos. Selt­sam, dass das „Scherzo capric­cioso“ in Deutsch­land so wenig gespielt wird. Es ist ein wahres Bra­vour­stück und steht in der Tat völ­lig für die ver­traute Seite von Dvo­řák: über­schwäng­liche Natur­schil­derung und aus­ge­las­sene, volks­tüm­li­che Tänze.

Mit Mozarts Kla­ri­net­ten­kon­zert schla­gen wir einen Bogen zu den Ursprün­gen, wie Natur in der Musik abge­bil­det wer­den kann. Der zweite Satz ist so idyl­lisch und in sich ruhend, der dritte wie ein rausch­haf­tes, som­mer­li­ches Fest, – Mozart gelingt bereits etwas im Grunde sehr dvo­řák­ty­pi­sches: eine inten­sive Ver­bun­den­heit des Men­schen mit der Natur. Natür­lich wollte ich unbe­dingt auch unse­ren wun­der­ba­ren Artist in Resi­dence Daniel Otten­sa­mer, den Solo-Kla­ri­net­tis­ten der Wie­ner Phil­har­mo­ni­ker, beim Sai­son­auf­takt dabei­ha­ben.

Warum machen so viele Kom­po­nis­ten Ende des 19. Jahr­hun­derts die Natur zum Gegen­stand ihrer Werke? Eine Erklä­rung liegt für mich auf jeden Fall darin, dass sie auf die Ver­än­de­run­gen ihrer Umwelt rea­gie­ren. Je mehr die indus­trielle Revo­lu­tion das Leben prägt, desto stär­ker wird die Sehn­sucht nach einem idyl­li­schen Gegen­ent­wurf. Vor­her galt die Natur als Feind des Men­schen. Nie­mand ging frei­wil­lig in den Wald, dort wohn­ten die Wölfe. Auch das Berg­stei­gen kam erst spät, Ende des 18. Jahr­hun­derts, all­mäh­lich in Mode.

Michael Dissmeier: Johann Sebas­tian Bach wäre nie im Leben auf die Idee gekom­men, in ein Kom­po­nier­häus­chen auf dem Land zu zie­hen. Zu sei­ner Zeit war der Wald noch vol­ler Mons­ter.

Simon Gaudenz: Dvořáks liebe­volle Schil­de­rung der Natur ist zur dama­li­gen Zeit im Grunde etwas Neues, fast Avant­gar­dis­ti­sches. Musi­ka­li­sche Werke aus dem Kon­text der Zeit ihrer Ent­ste­hung heraus zu begrei­fen, ver­mag oft neue Blick­win­kel zu öff­nen und hilft, nicht bei einer ober­flä­ch­li­chen Betrach­tung der vie­len schö­nen Momente ste­hen zu blei­ben.

Eine Werk­gruppe Dvořáks, die gera­dezu exem­pla­risch für diese inhalt­li­che Tiefe steht, sind die drei Kon­zert­ouver­tü­ren „Natur“ (op. 91), „Kar­ne­val“ (op. 92) und „Othello“ (op. 93). In die­sen drei Stü­cken ist im Grunde alles ent­hal­ten, was Dvořák aus­macht. Für mich hat die „Natur“-Ouver­türe etwas bei­nahe Pan­theis­ti­sches. „Kar­ne­val“ ist trotz der vibrie­ren­den, mit­rei­ßen­den Tänze über­haupt nicht ober­fläch­lich und erzählt auf eine wahr­haft bezau­bernde Weise vom Men­sch­sein. Aus­ge­sucht haben wir die „Othello“-Ouver­türe und spie­len sie im Dezem­ber zusam­men mit den „Vier letz­ten Lie­dern“ von Richard Strauss und der Vier­ten Sin­fonie von Johan­nes Brahms, in einem Pro­gramm, mit dem wir zudem die Schweiz berei­sen wer­den.

Michael Dissmeier: Die Kom­po­si­tions­weise der „Othello“-Ouver­türe erin­nert mich stark an Film­musik. Und das lange, bevor es über­haupt Filme gibt.

Simon Gaudenz: Man hört, wie pro­gres­siv Dvo­řák sein kann. Die Musik weist bereits zu Mah­ler und Puc­cini. Und es gibt auf dem Pla­ne­ten Dvo­řák eben nicht nur das Erha­bene, son­dern auch das Nie­dere, das Direkte und Lüs­terne. Er kann auch dahin gehen, wo es ein biss­chen schmut­zi­ger ist.

Ein wei­teres wich­ti­ges Wort im Zusam­men­hang mit Dvo­řák ist „Gebor­gen­heit“. Nach­dem wir uns eine Spiel­zeit lang mit Dmi­tri Schos­ta­ko­witsch beschäf­tigt haben, nach all dem Schwarz-Wei­ßen und Dop­pel­bö­di­gen, nach dies­er Alles-oder-nichts-Groß­stadt-Musik, wollte ich gern das Gegen­teil. Eine Musik, die das Or­ches­ter und das Pub­li­kum mit einer Art von Liebe um­schließt, bei der man sich wohl­füh­len kann. Dvo­řáks Musik ist gesund und un­mittel­bar mensch­lich. Selbst, wenn es ein­mal um Abgründe geht, enden die Werke nicht hoff­nungs­los.

»›Ehrlich‹ ist vielleicht das wichtigste Wort im Zusammenhang mit Dvořák.«

SIMON GAUDENZ

Was am Spiel tsche­chi­scher Or­ches­ter auf­fällt, ist, dass der Strei­cher­klang etwas stark Sin­gen­des hat, und zwar eben nicht das mehl­tau­ar­tige „tenuto“, mit dem heute oft alles zuge­deckt wird. Strei­chins­tru­mente ver­mö­gen es, in vie­len ver­schie­de­nen Far­ben zu „sin­gen“, ihr Klang kann dabei durch­aus schwe­bend und leicht blei­ben. Heute ist mit Sin­gen immer viel zu schnell gemeint: „an der Saite“, schwer. Für mich sollte ein böh­mi­scher Klang auf jeden Fall schlank sein, eher hell und sehr direkt gespielt.

»Der Kerl hat mehr Ideen als wir alle. Aus seinen Abfällen könnte sich jeder andere die Hauptthemen zusammenklauben.«

JOHANNES BRAHMS ÜBER ANTONÍN DVOŘÁK

Michael Dissmeier: Mir fällt auf, wie viele Pro­gramme die­ser Sai­son um das Thema „Tod“ krei­sen. Als zen­tra­les chor­sin­fo­ni­sches Werk erklingt das Dvo­řák-Re­quiem.

Simon Gaudenz: Eine unge­wöhn­li­che, sehr indi­vi­duelle Ver­to­nung des Requiem-Tex­tes! Dvo­řák ist weni­ger auf große Effekte aus als viel­mehr auf eine inner­li­che, see­len­volle Bitte um Frie­den. Die­ses Kon­zert ist eine wun­der­bare Auf­gabe für den Phil­har­mo­ni­schen Chor und unsere Chor­di­rek­to­rin Berit Wal­ther! [...]

Michael Dissmeier: Gehört der Tod untrenn­bar zur Natur?

Simon Gaudenz: Natur ist vor allem nichts Ober­fläch­li­ches. Sie ist nicht ein­fach „schön“. Und trotz­dem kann man sich in ihrem Kreis­lauf von Geburt bis Tod, von Früh­ling bis Win­ter zutiefst gebor­gen füh­len. Das Pan­theis­ti­sche an die­sem Gedan­ken bewegt mich sehr. Auf unse­rem Pla­ne­ten Dvo­řák ist das ein bestim­men­des Motiv, das sich an vie­len Stel­len wie­der­fin­det. [...]

Michael Dissmeier: Zum Plane­ten Dvořák gehö­ren die Monde, die ihn umkrei­sen. Ein Werk drängt sich gera­dezu auf: „Mein Vater­land“ von Bed­řich Sme­tana.

Simon Gaudenz: Die­ser Zyk­lus darf in der Tat nicht feh­len. Sme­ta­nas Sin­fo­ni­sche Dich­tun­gen über die böh­mi­sche Natur und Ge­schich­te ver­se­hen wir in unse­rem Kon­zert zudem mit einem span­nen­den Kon­tra­punkt: zu Beginn er­klingt das Werk „No Night No Land No Sky“ eines der er­folg­reich­sten zeit­ge­nös­si­schen Kom­po­nis­ten, des Tsche­chen Miros­lav Srnka, der in die­sem Stück die end­lose Weite einer ant­ark­ti­schen Land­schaft schil­dert. Diese krasse Kon­fron­ta­tion der böh­mi­schen Mit­tel­ge­birgs­land­schaft mit dem White­out-Syn­drom im ewi­gen Eis ist übri­gens die Idee unse­res Künst­le­ri­schen Bera­ters und Kon­zert­pla­ners Ger­not Woj­na­rowicz. Sein enzy­klo­pä­di­sches Wiss­en und sein Ideen­reich­tum sind für meine Arbeit uner­setz­lich, gerade für die gemein­same Ent­wick­lung span­nen­der Kon­zert­pro­gramme!

Michael Dissmeier: Von Tschai­kowski er­klin­gen das Vio­lin­kon­zert sowie die Sin­fo­nie Nr. 6 „Pathé­ti­que“. Dvořák und Tschai­kowski schlos­sen im Jahr 1888 Freund­schaft und unter­stütz­ten sich for­tan gegen­sei­tig. Die bei­den nahezu gleich al­ten Kom­po­nis­ten stan­den vor ähn­li­chen Heraus­for­de­run­gen: beide arbei­te­ten an der Akzep­tanz der Ver­schmel­zung von klas­si­scher Kom­po­si­tions­weise und sla­wi­scher The­matik.

Simon Gaudenz: Für Tschai­kowski gilt Ähn­li­ches wie das, was ich eben über die Far­ben bei Dvořák gesagt habe. Mit der Rus­si­schen Natio­nal­phil­har­mo­nie war ich jah­re­lang ver­bun­den, lei­der ist es auf­grund der poli­ti­schen Situa­tion heute nicht mehr mög­lich, gemein­sam zu musi­zie­ren. So wie dieses rus­si­sche Or­ches­ter Tschai­kowski spielt, so rau und direkt, so völ­lig un­sen­ti­men­tal – das habe ich immer als sehr vor­bild­haft emp­fun­den.

Michael Dissmeier: Auch Leoš Janá­ček, Erwin Schul­hoff und Vik­tor Ull­mann gehö­ren zum Dvořák-Uni­ver­sum. Schul­hoff hat Dvořák sogar im Alter von sie­ben Jah­ren vor­ge­spielt und erhielt eine per­sön­li­che Emp­feh­lung für Kla­vier­un­ter­richt.

Simon Gaudenz: Die tsche­chi­sche Musik in der ers­ten Hälfte des 20. Jahr­hun­derts hat unge­heuer viel Inte­res­san­tes zu bie­ten. Jede Aus­wahl bleibt not­ge­drun­gen lücken­haft. Aber ein Stück durf­ten wir auf gar kei­nen Fall aus­las­sen – nicht zuletzt wegen der bio­gra­phi­schen Ver­bin­dung zu Dvo­řák – das ist Suks Zweite Sin­fo­nie „Asrael“.

Michael Dissmeier: Josef Suk war Dvo­řáks Schwie­ger­sohn. Nach des­sen Tod im Jahr 1905 begann er, die Sin­fonie als Anden­ken für den ge­schätz­ten und ge­lieb­ten Schwie­ger­va­ter zu schrei­ben.

Simon Gaudenz: Furcht­ba­rer­weise starb im glei­chen Jahr auch Otilie, Dvo­řáks Toch­ter. Den vier­ten und fünf­ten Satz wid­mete Josef Suk sei­ner ver­stor­be­nen Frau. Die Kom­po­si­tion ist eine der berüh­rends­ten musi­ka­li­schen Aus­ein­an­der­set­zun­gen mit Tod und Ver­lust, benannt nach dem Todes­en­gel Asrael.

Michael Dissmeier: Suk schreibt über den Kom­po­si­tions­pro­zess: „Der furcht­er­re­gende Engel des Todes schlug mit seiner Sense ein zwei­tes Mal zu. Solch ein Unglück zer­stört ent­weder einen Men­schen oder trägt alle schla­fen­den Kräfte in ihm an die Ober­flä­che. Die Musik hat mich geret­tet, und nach einem Jahr begann ich den zwei­ten Teil der Sym­pho­nie mit einem Ada­gio, einem zar­ten Por­trät von Oti­lka.“

Simon Gaudenz: Es hat lange gedauert, bis die­ses Meis­ter­werk außer­halb von Tsche­chien das Inter­esse bekommt, das es ver­dient. Tod und Trost, Gefahr und Gebor­gen­sein wer­den von Suk auf berüh­rende Weise ver­bun­den. Die Ton­sprache ist auf dem glei­chen Niveau wie bei Gus­tav Mah­ler.
 

Die Tonsprache von Josef Suk ist auf dem gleichen Niveau wie bei Gustav Mahler.

SIMON GAUDENZ